GLI ANNI QUARANTA, L’APICE DEL FUMETTO AMERICANO

Fino agli anni trenta il fumetto si esprimeva soprattutto attraverso le strisce giornaliere che apparivano sui quotidiani. I fumetti erano nati negli Stati Uniti alla fine dell’Ottocento nei quotidiani per attrarre lettori e aumentare le vendite. Prima apparvero le tavole domenicali a colori e poi, nei primi anni del Novecento, anche le strisce giornaliere in bianco e nero che comprendevano 3 o 4 vignette in sequenza.

Questo formato permetteva ai lettori di seguire una narrazione capace di creare suspense e fedeltà. L’aumento della diffusione dei quotidiani durante il primo novecento fornì una piattaforma ideale per i fumetti che presto conobbero un grande successo.

I giornali compresero che le strisce giornaliere potevano attrarre lettori di ogni età, aumentando le vendite. Durante gli anni quaranta le strisce giornaliere raggiunsero il loro massimo splendore.

Dal 1929 la Grande depressione economica aveva spinto i lettori a cercare intrattenimento economico nei quotidiani, inoltre la qualità delle strisce era aumentata grazie a talentuosi autori come Hal Foster, Alex Raymond e Milton Caniff, che avevano innovato il linguaggio del fumetto. Tra la fine degli anni trenta e l’inizio dei quaranta le strisce giornaliere raggiunsero il loro apogeo, ma già all’orizzonte si stagliava il competitor che ne avrebbe determinato la crisi e il declino: il comic book (l’albo a fumetti).
Ricordiamo qui le strisce quotidiane e le tavole domenicali più popolari degli anni quaranta, molte delle quali nate negli anni trenta.

The Spirit di Will Eisner

The Spirit, in reatà, nacque con il formato di albo a fumetti, ma distribuito dai quotidiani come le tavole domenicali. Pur essendo uno dei fumetti più innovativi, The Spirit non ha mai raggiunto una grande diffusione. Pubblicato per la prima volta nel 1940, appariva appena su 20 quotidiani che in totale vendevano 5 milioni di copie al giorno.

Ogni episodio era autoconclusivo, con una lunghezza di 7-8 pagine in un albo di 16 pagine. Le storie spaziavano dal noir alla commedia, dall’horror alla satira, mostrando la versatilità di Eisner. The Spirit dimostrò che il fumetto poteva essere una forma d’arte capace di affrontare temi complessi e sperimentare con il linguaggio visivo.

Terry e i pirati di Milton Caniff

Quando Terry and the Pirates debuttò nel 1934, l’Asia, dove era ambientata la serie, era già un teatro di conflitti. La crescente tensione sfocerà, nel 1937, nell’invasione giapponese della Cina. Con l’entrata degli Stati Uniti nella Seconda guerra mondiale nel 1941, Milton Caniff adattò la sua striscia al nuovo contesto storico, riflettendo l’impatto del conflitto globale sui personaggi e sulle storie. La Seconda guerra mondiale trasformò Terry and the Pirates da una serie di avventure esotiche in un’opera che affrontava temi patriottici, militari e umani con profondità e maturità.

Terry Lee, inizialmente un giovane avventuriero, si unisce alle forze armate statunitensi, diventando un pilota. La serie abbandona gradualmente le trame di caccia al tesoro e scontri con pirati orientali per concentrarsi su missioni militari, battaglie e intrighi legati alla guerra. Il successo è enorme, nei primi anni quaranta Terry and the Pirates appare su 120 quotidiani per una diffusione totale di 31 milioni di copie giornaliere.

Flash Gordon di Alex Raymond

Flash Gordon debutta il 7 gennaio 1934 come risposta della King Features Syndicate al successo di Buck Rogers. Alex Raymond viene scelto per creare la serie.
Raymond porta un livello di dettaglio e drammaticità senza precedenti nel fumetto, elevando Flash Gordon a un fenomeno artistico. Le sue illustrazioni ricche e dinamiche catturano l’immaginazione dei lettori e influenzano anche i futuri fumetti di fantascienza.

Raymond abbandona la serie nel 1944 per entrare nei Marine Corps. Flash Gordon viene pubblicato su 130 quotidiani, tradotti in otto lingue e seguito da 50 milioni di lettori. La striscia continuerà sotto altri disegnatori (come Austin Briggs e successivamente Mac Raboy) ma nessuno riuscirà a replicare lo stile e le innovazioni di Raymond.

Rip Kirby di Alex Raymond

Quando Raymond informò del suo ritorno dal fronte i responsabili della King Features Syndicate, l’agenzia che gli commissionava e distribuiva i fumetti ai quotidiani, gli fu risposto che Flash Gordon sarebbe rimasto ai suoi sostituti. La gelida risposta della azienda riempì il disegnatore di risentimento, ma allo stesso tempo gli diede lo sprone per ritornare nel 1946 con un nuovo personaggio: il detective privato Rip Kirby.

Con Rip Kirby, Raymond abbandona l’avventura esotica e la fantascienza per esplorare un genere più realistico e sofisticato: il noir investigativo. Nel fare questo introduce un approccio realista al fumetto. Le vignette di Rip Kirby sono basate su foto a modelli reali, conferendo ai personaggi e agli ambienti un aspetto estremamente credibile. La serie ebbe un successo tale da superare Flash Gordon apparendo su 150 quotidiani.

Steve Canyon di Milton Caniff

Caniff aveva lasciato Terry and the Pirates nel 1946 a causa di limitazioni contrattuali che gli impedivano di possedere i diritti sulla sua creazione. Determinato a creare una nuova serie in cui avesse pieno controllo creativo e commerciale, ideò Steve Canyon per la Field Enterprises Syndicate.
Il lancio di Steve Canyon fu accompagnato da una vasta campagna pubblicitaria, alimentando l’entusiasmo dei fan di Caniff e attirando nuovi lettori.

La serie debuttò contemporaneamente in 168 quotidiani, un’impresa straordinaria per l’epoca. Caniff usò la nuova striscia come occasione per esplorare temi più complessi e sviluppare personaggi profondi, consolidando il suo status di maestro del fumetto narrativo. A differenza degli eroi infallibili dell’epoca, Canyon mostrava emozioni e dilemmi morali, rendendolo un personaggio più realistico. Caniff raffinò ulteriormente il suo stile grafico, utilizzando ombre drammatiche e dettagli realistici per creare atmosfere coinvolgenti.
Il tratto cinematografico, con angolazioni dinamiche e inquadrature studiate, conferiva alla striscia un ritmo visivo unico.

Prince Valiant di Hal Foster

Hal Foster aveva già guadagnato notorietà per il suo lavoro su Tarzan, ma voleva creare una serie che gli desse maggiore libertà artistica e narrativa. Prince Valiant fu concepito come un racconto epico ambientato nel periodo arturiano, mescolando storia, leggenda e fantasia. Il suo debutto il 13 febbraio 1937 segnò l’inizio di un’epopea che combinava narrazione e disegni straordinari, rivoluzionando il medium e guadagnandosi un successo duraturo. A differenza delle classiche strisce giornaliere, Prince Valiant era pubblicata esclusivamente nella sezione domenicale a colori, consentendo a Foster di utilizzare un formato più grande e dettagliato.

Hal Foster introdusse un livello di dettaglio senza precedenti nei fumetti. I suoi disegni erano molto realistici, grazie a una profonda comprensione dell’anatomia, della prospettiva e del paesaggio. Molti critici e artisti lo considerano il “miglior fumetto mai prodotto”, la popolarità fu subito enorme portando Prince Valiant negli anni quaranta ad apparire su quasi 300 quotidiani.

Gasoline Alley di Frank King

Frank King creò Gasoline Alley nel 1919, durante un periodo di grande sviluppo automobilistico negli Stati Uniti. La serie ruotava attorno alla vita quotidiana di un gruppo di amici che vivevano nel quartiere di Gasoline Alley a Chicago. La strip raccontava le avventure e le disavventure di questi personaggi legati dalla comune passione per le automobili.

Uno degli aspetti distintivi di Gasoline Alley è il tema della famiglia e la continuità delle generazioni. La striscia ha documentato i cambiamenti sociali nel tempo, mostrando l’evoluzione dei ruoli familiari, delle tecnologie e delle mode culturali. Attraverso le vicende dei personaggi, Gasoline Alley ha esplorato i cambiamenti nella vita americana, dalla Grande depressione alla Seconda guerra mondiale e oltre. Gasoline Alley è più di una semplice striscia di fumetti, è un’epopea americana che negli anni quaranta arrivò ad apparire su oltre 300 quotidiani.

Pogo di Walt Kelly

Pogo di Walt Kelly è una delle strisce più importanti nella storia del fumetto. Lanciata nel 1948, Pogo si distingue per il suo approccio originale, satirico e intellettualmente stimolante. Walt Kelly è stato in grado di combinare umorismo, commento sociale e riflessione approfondita, creando un’opera che resiste al passare del tempo. Pogo è ambientato nel fittizia Okefenokee Swamp, una palude popolata da animali umanizzati. Kelly trasformò la palude in un microcosmo simbolico, riflettendo le sfide e i dibattiti della società americana del dopoguerra.

Kelly affrontò temi complessi come la Guerra Fredda, il razzismo, il materialismo, e la politica americana, il tutto in un contesto di leggerezza e umorismo. La scrittura di Kelly è colta, con un uso abbondante di giochi di parole, riferimenti culturali e citazioni letterarie. Le battute e i dialoghi sono pieni di doppi sensi, metafore e riferimenti, rendendo Pogo un’esperienza ricca e complessa per i lettori. Questo portò la striscia a un successo che la vedrà apparire su circa 500 quotidiani.

Alley Oop di Vincent Trout Hamlin

V.T. Hamlin creò Alley Oop nel 1932, durante la Grande depressione. La striscia ha avuto un successo immediato, grazie al suo approccio fresco e innovativo. Alley Oop mescola avventura preistorica, elementi fantastici e una buona dose di umorismo surreale. Hamlin ha mescolato elementi preistorici con la fantascienza, creando storie avventurose che spaziano dal passato al futuro.

Alley Oop esplora questioni sociali e culturali, come la tecnologia, i conflitti umani e le sfide ambientali. La striscia ha riflesso i problemi e le ansie del periodo. Le tematiche universali di sopravvivenza e avventura rendono Alley Oop una metafora del desiderio umano di esplorare e scoprire. Per questi motivi la striscia ha raggiunto negli anni quaranta l’incredibile risultato di essere pubblicata su ben 800 quotidiani.

Li’l Abner di Al Capp

Al Capp creò Li’l Abner nel 1934, durante un periodo in cui la società americana aveva bisogno di evasione e intrattenimento a causa della crisi economica. La striscia è ambientata in un’immaginaria regione montuosa del sud degli Stati Uniti chiamata Dogpatch, ed esplora la vita rurale e i personaggi pittoreschi di quell’area.

Li’l Abner tratta temi universali come l’amore, la famiglia, il lavoro e il “sogno americano”, ma lo fa attraverso il filtro di una comunità rurale, offrendo una rappresentazione alternativa rispetto alle città e alla modernità. Al Capp usa Li’l Abner per ridicolizzare la società consumistica, le mode e i valori materialistici che stavano prendendo piede negli Stati Uniti. Questo ha permesso alla striscia di raggiungere una popolarità straordinaria e di essere distribuita in 900 giornali statunitensi. Questa enorme diffusione ha permesso a Li’l Abner di avere una influenza significativa sulla cultura popolare americana.